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미술의 철학 29 - 회화의 역사적 발전

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by nineoldman 2022. 2. 18. 12:20

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우리의 이 과목의 세 번째 부분에 대한 고려에서, 우리는 지금까지 해왔던 것처럼, 완전히 일반적인 내용, 그림에 적절한 취지의 검토, 그리고 그것의 원리에 따르는 구성 방식에 국한할 수 없다.상황, 그리고 형태와 그것의 자세, 색상 등에 따라, 우리는 마음속에 고정시키고 이 예술의 개별 생산의 실제 현실을 논의해야 한다. 우리가 살펴본 측면이 강요되는 그림 자체를 즐기고 비판할 수 없고 조사를 하지 않는 완전한 그림 연구는 없다. 이것은 모든 미술의 경우 일반적인 규칙이지만, 우리가 현재에 이르기까지 고려한 것 중에서 회화에 예외적인 힘으로 적용된다. 건축과 조각의 경우, 내용을 수용하는 것이 더 제한되고, 전시와 구성의 수단은 부와 독특한 수정으로 덜 찍히고, 정의의 특정 측면은 더 단순하고 급진적인데, 우리는 더 쉽게 복사본을 이용할 수 있다.이온, 깁스. 실제 작품을 직접 봐야 한다는 것이 회화의 예술을 다루는데 있어 필수적이다. 이 경우에 단순히 기술하는 것만으로는, 아무리 종속적인 의미에서 중요하더라도 충분하지 않을 것이다. 그러나, 그것의 설명의 무한한 다양성, 그것의 다양한 측면들이 특정한 예술 작품들에 결합되어 있는, 이 작품들은 처음에 우리에게 단순한 모티 배열로 보여지는데, 그 이유는, 그것에 대한 우리의 검토가 분류의 원칙에 기초하지 않는다는 사실 때문에, 우리에게 독특한 것을 공개할 수 있는 아주 작은 범위에 불과하다. 개별 사진의 품질. 따라서 화랑들은 원칙적으로, 만약 우리가 이미 그 나라가 속한 나라, 시대, 학교, 주인에 대한 우리의 지식을 각각의 그림과 연결할 수 없다면, 그저 의미 없는 수집품일 뿐이고, 그 안에서 우리는 스스로를 잃어버리는 것입니다. 그러므로 우리의 눈으로 공부하고 즐길 수 있는 가장 유익한 배열은 역사적 순서에 기초한 전시이다. 이러한 종류의 소장품으로서, 이러한 원칙과 독특하고 가치 있는 것과 관련하여 조율된 것으로, 우리는 곧 이 도시에 있는 왕립 박물관의 그림 갤러리에서 감탄할 수 있을 것이다. 이것에 있어서 우리는 그것의 발전 단계에서 예술 기법에 대한 역사적 조사를 소유할 뿐만 아니라, 역사와 함께 그것의 이상적인 내용을 학교의 특징, 그들의 다양한 주제, 그리고 예술적 개념과 취급의 다른 방식으로 표현하는 것을 우리의 마음 앞에 두어야 한다.ent. 우리가 전통적이고 다양한 형태의 예술에서 그것의 기원, 그것의 표현에 대한 탐색과 개인의 특징, 그것의 비활동적이고 평온한 위치의 해방으로부터 아이디어를 형성할 수 있는 것은 오직 이것이 우리에게 자음인 것처럼 우리에게 조사를 주는 것을 통해서만 가능하다.나는 그것의 극적인 움직임, 집단화, 그리고 그것의 색깔의 모든 부와 마법으로 진보를 하거나, 어느 정도 그들 자신들만의 독특한 방식으로 유사한 주제를 다루거나, 각각의 내용들의 다양성으로 인해 서로 구별되는 그것의 학파를 마침내 구별하는 것을 배운다. 그와 같은 회화의 역사적 발전은 정확한 연구만큼이나 과학적 관찰과 탐구에 있어서도 매우 중요하다. 내가 제시했던 예술의 내용, 즉 소재의 정교화, 개념의 독특하고 근본적인 변화, 우리는 처음으로 이 모든 것을 발견하고 사실과 일치하는 분류에서 구체적인 일관성을 더 많이 받는다. 그러므로 가장 즉각적으로 관심을 끄는 것을 강조하기 위해서만 이 과정을 살펴보는 것이 우리의 의무이다. 일반적으로 진보는 단순한 건축적 배치와 장식되지 않은 색상으로 전형적인 방식으로 구상된 종교적 주제에서 비롯된다는 점에서 이루어진다. 그 후, 우리는 현실성, 형태의 생명력 있는 아름다움, 개성, 침투의 깊이, 매력 그리고 색감의 마법의 힘을 얻게 된다. 예술이 마침내 세계 그 자체에 관심을 돌리게 되고, 자연의 주인이 되고, 일상 생활의 일상적인 사건, 또는 국가에서 중요한 것이 될 때까지.나는 현재 혹은 과거, 또는 초상화와 가장 사소한 것 그리고 가장 덜 중요한 사실까지 다른 어떤 것이든지 역사합니다, 그리고 그것이 종교적인 이상에 헌신하는 것과 동등한 열정으로, 그리고 이 영역에서 가장 여성적으로 기술적인 성취의 가장 완벽한 결과뿐만 아니라 치료와 실행 또한 확보합니다. 대부분 생동감과 개성으로 가득 차 있다. 비잔틴 회화에 대한 우리의 리뷰에서, 우리는 그리스인들 사이에서 회화의 관습이 항상 이어져 온 정의 가능한 정도였다는 것으로 시작할 수 있다. 반면에, 자연과 생명체의 접촉은 이 예술에서 완전히 사라졌다; 얼굴 형태에서는 전통을 엄격히 고수했고; 형태와 표현 방식에서는 관습적이고 경직되었으며, 일반적인 구성에서는 다소 건축적이었다. 우리는 자연환경과 풍경 배경의 흔적을 찾을 수 없습니다. 빛과 그림자, 광채와 무명, 그리고 그것들의 융합, 원근법과 실물과 같은 그룹화의 기술은 전혀 정교하지 않거나 아주 약간만 정교했다. 인정된 단일 유형의 독립 예술 작품을 엄격하게 고수하기 때문에 연습할 수 있는 공간이 거의 없었다. 그림과 모자이크의 예술은 종종 단순한 수공예로 전락했고, 비록 그러한 장인들이 골동품 화병에 걸린 노동자들과 동등하게 이전 작품들의 훌륭한 예들을 가지고 있었음에도 불구하고, 그들은 포즈와 휘장의 접힘에 관한 한 모방할 수 있었다. 비슷한 형태의 그림도 황폐해진 서양에, 특히 이탈리아에 그것의 음울한 영향을 퍼뜨렸다. 그러나 여기서, 비록 처음에는 약간의 힘이 시작되었지만, 우리는 심지어 융통성 없는 형태와 표현 방식에서 벗어나고, 처음에는 거칠고 준비된 방식으로, 로프티어 목표의 발전을 마주하려는 노력을 의식하고 있다. 반면에 헤르 폰 루모르는 그리스 마돈나스와 예수의 초상화에 대해 "가장 선호되는 예에서도 명백하며, 그들의 기원은 모자이크이며 예술적인 정교함은 처음부터 거부되었다"고 단언할 수 있다. 다시 말해 이탈리아인들은 회화에 있어서 독자적인 예술이 발달하기 이전부터 기독교 신자들에 대한 보다 영적인 개념에 근접하기 위해 노력하였다. 이름이 붙은 작가는 또한 그리스와 이탈리아가 십자가에 그리스도를 묘사한 방식에 대한 그의 주장을 뒷받침하는 주목할 만한 증거로 주목을 받고 있다. 이 글쓴이에 따르면, "무서운 육체적 고통의 광경을 흔히 볼 수 있었던 그리스인들은 구세주를 십자가에 매달고, 하체는 부어오르고, 무릎은 왼쪽으로 구부러지고, 고개를 숙인 채 끔찍한 죽음의 고통과 맞서는 것으로 생각했다. 그들의 주제는 결과적으로 육체적 고통의 본질에 있었다. 반대로, 이탈리아인들은 그들의 더 오래된 기념물들에서, 우리는 십자가에 못지 않게 그녀의 아이를 가진 성모 마리아의 표현이 드문 일이라는 사실을 간과해서는 안되지만, 십자가에 입양을 한 구세주의 모습을 묘사하는 것에 익숙했다, 그래서 우리에게 영적인 승리의 관념으로 보인다., 전자의 경우엔 그렇지 않지 그리고 의심할 여지 없이 더 고귀한 개념은 서유럽에서 더 선호되는 지역들에서 일찍이 주장됩니다.

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